ARTE DEL SIGLO XX
El arte de Latinoamérica de todo el siglo XX se vio muy influido por los grandes movimientos políticos de la centuria, como lo demuestra casi toda la producción plástica y muy clara y directamente, un ejemplo paradigmático de esa relación: el muralismo mexicano.
La revolución mexicana iniciada en 1910 con objetivos políticos de democratización de toda la vida nacional y en particular de sus instituciones, tuvo asimismo, hondas connotaciones sociales. Estas fueron aportadas por grupos de muy distinto signo y especialmente por las huestes agraristas de Zapata y Villa, y ejercieron un vigoroso influjo en la cultura mexicana y muy particularmente en las artes y las letras.
El muralismo mexicano -cuyo ejemplo se extendió por todo el subcontinente como una fuerte ráfaga de aire puro y vivificador- no hubiera tenido la profunda autenticidad que alcanzó ni hubiera logrado conmover tan hondamente a toda Latinoamérica e incluso al mundo entero, si se hubiera producido sin ese marco de referencia o divorciado de él.
Ese fenómeno plástico tan importante por sus valores intrínsecos y por la enorme influencia que ejerció, tuvo como antecedente directo la notable obra del grabador José Guadalupe Posada (1851-1913), quien supo condensar lo más incisivo del arte popular de su país, especialmente como ilustrador y caricaturista político de periódicos opositores al régimen paternalista y autoritario de Porfirio Díaz, (…) Su mordaz sentido del humor, su rica fantasía y muy especialmente sus compromisos con el hombre mexicano así como sus profundas inquietudes político-sociales, constituyeron lecciones y legados que fueron recogidos y enriquecidos por los grandes muralistas, algunos años más tarde.
Poco después de la muerte de Posada regresó a México el Dr. Atl (Gerardo Murillo, 1875-1964), pintor, vulcanógrafo y escritor que en Italia se entusiasmó con la antigua pintura mural y las ideas socialistas de Enrico Ferri. En su país dirigió el periódico revolucionario La Vanguardia, el que tenía a Orozco entre sus dibujantes, reaccionó contra lo hispánico sosteniendo apasionadamente la causa indigenista y adoptó el seudónimo que hizo famoso, el que significa agua en nahua. Posteriormente participó en el movimiento muralista y pintó volcanes, cráteres y peñascos.
Cuando la revolución mexicana ya había obtenido importantes triunfos y concreciones políticas, un grupo de jóvenes artistas revolucionarios fundó, en 1922, el Sindicato de Pintores, Escultores y Obreros Intelectuales, con el fin de contribuir al enriquecimiento de una cultura auténticamente popular y no individualista, directamente entroncada con la fuerte tradición comunitaria de la América precolombina. Con ello, procuraban asimismo contribuir como trabajadores de la cultura, a darle un contenido social a la revolución, la cual, a su juicio, aún no había emprendido en profundidad la tarea que juzgaban fundamental: cambiar las estructuras económicas de la sociedad mexicana, muy especialmente en todo lo relativo a la propiedad de la tierra.
Después de siglos de olvido e incluso desprecio hacia la cultura precortesiana, el grupo de jóvenes artistas que dieron nacimiento al movimiento del muralismo mexicano, redescubrió para su nación y el resto del subcontinente aquella rica herencia y se propuso adaptarla a las aspiraciones colectivas del momento, interpretadas por la gesta liberadora iniciada por la revolución de 1910, cuyo programa entendían que no sólo no estaba agotado, sino que era necesario cumplir hasta sus últimas consecuencias, especialmente en lo socio-económico.
El rescate del legado precortesiano en el México de principios de siglo, presenta no pocas similitudes con el redescubrimiento por parte del Renacimiento italiano del siglo XV, de la herencia grecolatina, con la diferencia de que aquí ese mundo que se quería recuperar, había quedado mucho menos desvanecido y distante, y había mantenido tradiciones, memorias y testimonios más directos, próximos y fuertes.
El pensador y político José Vasconcelos, entonces Ministro de Educación de México, comprometido con una concepción de la cultura netamente popular, entendida como creación colectiva de las grandes mayorías y por tanto con un denso contenido social y político, apoyó a los jóvenes del Sindicato de Pintores y alentó sus ideales. Así fue como el alto funcionario ofreció a Rivera, Orozco, Alfaro Siqueiros y otros, la posibilidad de decorar varios edificios públicos como la Secretaría de Educación y la Escuela Nacional Preparatoria, cuya concreción permitiría que el arte ganara las calles y los lugares públicos y saliera de su encierro en lugares sólo accesibles para las minorías, con el fin de marchar al encuentro del pueblo. Así se inició en ese 1922 el movimiento muralista mexicano, que habría de dejar tan hondas huellas en la cultura continental y del mundo todo.
Diego Rivera (1886-1957), realizó su primera exposición en 1907 y posteriormente obtuvo una beca que le permitió viajar a Europa, donde adhirió a las estéticas cezanniana y cubista. Regresó a México en 1921 y al año siguiente, después de contribuir a la fundación del mencionado sindicato, dio nacimiento al movimiento muralista con la decoración de la Escuela Nacional Preparatoria, paso inicial de un esfuerzo cuyo fruto sería la creación de un arte profundamente nacional con resonancias universales. Posteriormente decoró la Secretaría de Educación, la Escuela Nacional de Agricultura, el antiguo Palacio de Cortés en Cuernavaca y el Palacio de Bellas Artes.
Su gigantesca labor de muralista tuvo un paréntesis de un lustro, entre 1935 y 1940, lapso en el cual se dedicó a crear una serie de obras de caballete, se diría que como para demostrarse y demostrar que no había perdido sus anteriores y reconocidas aptitudes en esa técnica. Posteriormente, retomó en las décadas del 40 y del 50 su tarea como muralista, con renovados bríos. Otra de sus creaciones murales mas valiosas es la que ejecutó en el Palacio Nacional de la ciudad de México.
La entera obra de Rivera tiene un gran vigor, producto, quizás, del raro equilibrio que supo encontrar entre su fantasía, tan exuberante, creadora e imaginativa, y la fina captación de las características más esenciales y definitorias de su natal tierra mexicana. Rivera logró elaborar un arte profundamente popular y accesible incluso para los grandes sectores menos cultivados de su pueblo, con alusiones y símbolos muy claros y explícitos, no exentos de un cierto sentido aristocrático que lo lleva a demorarse con delectación en fastuosas y detalladas enumeraciones. Es interesante observar como el creador se detiene en prolijos análisis de multitudinarios pormenores, cantidades de seres y de objetos apiñados en sus murales, pero con maestría en el diseño y extremado equilibrio en el sabio ordenamiento de toda esa suma de elementos.
Respetando la bidimensionalidad del muro, Rivera sugiere los volúmenes mediante el valor de los tonos y una gran habilidad para hacer jugar los planos entre sí. En síntesis, la obra del artista capta las raíces más profundas del alma mexicana con sus singulares y dramáticos contrastes de luces y sombras, de alegrías y dolores, de fastuosidad y pobreza, de grandezas y miserias, con una inclaudicable pasión redentora, al servicio de la elevación de un noble pueblo que supo liberarse de ominosas tiranías.
José Clemente Orozco (1883-1949), fue discípulo de Posada, cuyo antiacademicismo profundizó, y realizó su primera exposición en 1916, cuando exhibió una serie de acuarelas que documentaban con realismo el dolor del pueblo mexicano. En 1922 pintó su primer mural en la Escuela Nacional Preparatoria, en cuyo patio mayor trabajó hasta 1927, ejecutando obras de un realismo decididamente expresionista, pero respondiendo a una composición geométrica. Posteriormente viajó a los Estados Unidos, donde en obras trascendentes denunció la deshumanización de la vida neoyorquina, y a partir de 1930 adoptó tonalidades brillantes en reemplazo de su anterior paleta baja, así como formas más llenas de dinamismo. Su arte culminó en la segunda mitad de la década del 30, cuando produjo, entre otras obras notables, los valiosos murales de la antigua capilla del Hospicio Cabañas, en Guadalajara, estimados por muchos como una de las más grandes obras del arte americano.
Orozco está considerado como el pintor por excelencia de la revolución mexicana por haber documentado los aspectos más destacados de esa gesta, y muy especialmente el agrarismo de Zapata y de Villa. En sus obras, el artista introduce el tema central desde el inicio, y lo va reiterando con variantes en un crescendo dramático, como una gran sinfonía sobre el hombre y la humanidad toda, vistos con una óptica que se enraíza con su experiencia personal. Su vigoroso realismo fuertemente expresionista es fundamentalmente intuitivo y barroco, anticlásico, y en sus mejores creaciones alcanza una sobrecogedora grandeza dramática y una rica plasticidad en la expresión de un sentimiento trágico de la vida.
José David Alfaro Siqueiros (1896-1974), desde su adolescencia profesó acendradas ideas políticas y sociales, lo que lo condujo a luchar denodadamente por sus convicciones toda su vida, no sólo con su arte, sino también con las armas. Cuando tenía veinte años combatió en el ejército constitucionalista de la revolución mexicana y en 1920 viajó como miembro del consulado de su país a París, donde prontamente hizo amistad con Diego Rivera. De regreso en su patria, en 1922 contribuyó a la fundación del Sindicato de Pintores y del movimiento muralista. En su pugna indoblegable por sus ideales sufrió cárcel en 1930-31 y se alistó en el ejército republicano de la guerra de España, de dónde regresó a su país en 1939. Siempre extraordinariamente aguerrido y combativo, volvió a ser encarcelado nuevamente, pero el presidente mexicano López Mateos dispuso su libertad en 1964.
Si bien todos los creadores del movimiento muralista se inspiraron en las culturas precolombinas, acaso haya sido Alfaro Siqueiros quien más intensa y profundamente lo hizo, y por ello quizás fue él quien más elocuentemente expresó en su obra esa indisoluble unidad entre el individuo y su comunidad que caracterizó a las civilizaciones antiguas del continente. Sus creaciones tienen un cálido y profundo contenido humano, un gran vigor constructivo y una fina captación intuitiva del mundo natural y exhiben, asimismo, una permanente búsqueda de nuevas posibilidades técnicas, de nuevas formas y de nuevos materiales. Las pinturas murales de este gran artista no sólo se encuentran en México, sino también en otros países, como los Estados Unidos, Chile y la Argentina.
*Juan Carlos Lombán estudió en la Facultad de Humanidades de La Plata y obtuvo becas para perfeccionarse en Gran Bretaña y Estados Unidos. Fue rector y docente en la sección nacional del Saint George's College. Profesor en la Escuela de Bellas Artes Carlos Morel, donde dictó cátedra de Historia del Arte. Fue Director del Complejo Cultural Mariano Moreno, de Bernal y miembro de la Junta de Estudios Históricos de Quilmes. Publica trabajos historiográficos desde 1946. Su libro “El Ochenta” (1980) fue galardonado con la Faja de Honor de la Sociedad Argentina de Escritores. Ha recorrido México y otros países de América Latina en procura de documentos e información.
2.Pintura:
En el siglo XX las artes figurativas experimentan una transformación tan profunda que en uno de sus movimientos, la abstracción, pierden su carácter de representación de lo visible.
2.1El Fauvismo:
El Fauvismo es el primer movimiento revolucionario del siglo. No es una escuela con un programa elaborado, sino un numeroso grupo de pintores movidos durante un periodo por las misma ideas, que emplean un lenguaje artístico con muchos rasgos de semejanza. Tiene una vida corta pero su funcionamiento como grupo sirvió de ejemplo a otras vanguardias posteriores. Sus obras se caracterizan por su rebeldía ante el arte burgués y por su admiración hacia la pintura de Van Gogh y Gauguin, basada en el uso arbitrario de colores intensamente vivos.
Supone una reacción contra el impresionismo en pro del color y del objeto, que los pintores de fin de siglo habían reducido a tonalidades luminosas.
El color vuelve a ser el ingrediente principal del cuadro y se utiliza de manera apasionada; los pintores fauves se inclinan por la mancha plana y ancha. El color se independiza del objeto, se puede pintar un caballo verde, o una modelo azul desde el caballo a los pios, o un mar violeta, o árboles con hojas de colores distintos y troncos policromos, o habitaciones en las que rectángulos de color desbordan desde la pared hacia las puertas. La luz suele desaparecer y con ella la profundidad. Los primeros ejemplos “fauves” proceden de 1903, pero es en el otoño de 1905 cuando una docena de artistas agrupados en torno a Henri Matisse (1869-1954), líder indiscutible del movimiento, hacen su aparición pública en el Salón de Otoño de París, provocando un escándalo entre el público y la crítica burgueses: "Una
ofensa a la pintura", "un atentado contra el buen gusto", eran las opiniones más comunes hacia aquellos cuadros llenos de un colorido vivo y desbordante.
Henri Matisse se convierte en el jefe del grupo y es el pintor que se mantuvo más leal a los principios fauvistas. Matisse busca la solidez, frente a la obra como efusión de los ojos propugna la obra como creación de la mente. El estilo de Matisse se caracteriza por simplificar el modelo, traduciendo su formas mediante exaltadas zonas de color, que no suelen coincidir con su apariencia real en la naturaleza. El retrato de su esposa, titulado La raya verde, dominado por una rabiosa banda de esta tonalidad, que secciona la cara desde la raíz del pelo a la barbilla, resulta ejemplificado.
En las grandes composiciones mezcla el desenfreno cromático con los ritmos curvilíneos de la Art Nouveau y el arabesco del mundo musulmán, produciendo obras decorativas de gran belleza, como La Danza y la ornamentación de la capilla del Rosario, etc.
Posteriormente, una artritis le impide pintar y consume sus últimos años haciendo recortables de colorido brillante, donde las tijeras actuaban de pincel.
El fauvismo pasó pronto, aunque la utilización autónoma del color va a surgir en la pintura abstracta.
Lujo, calma y voluptuosidad, de Henri Matisse, caracterizado por la austeridad geométrica y la utilización de colores puros.
2.2.El Cubismo:
Tras la explosión de sensualidad cromática del fauvismo aparece, por la inspiración de Picasso y Braque, un arte cerebral, intelectual, una especie de operación quirúrgica. El apelativo cubismo se debe al crítico Luis Vauxcelles, quién en 1908 decía que las telas de Braque estaban compuestas de pequeños cubos.
El Cubismo descompone la imagen en estructuras poliédricas, que reflejan simultáneamente varios puntos de vista. Dicho con otras palabras: el cubismo reduce la figura el objeto y el paisaje a cubos.
La fuente de inspiradora más directa es la obra de Cézanne. Los cubistas no utilizan la perspectiva convencional ni los colores de la realidad, ni adoptan un punto de vista único.
Georges Braque (1882-1963) es, junto a Picasso, otra
de las grandes paletas del cubismo. Iniciado con los fauves, se adhirió a la nueva estética cuando conoció Las señoritas de la calle Avinyó del pintor malagueño. En el 1912 realizó el primer collage de la pintura contemporánea. Bañista y El clarinete son acaso las pinturas más representativas del Braque cubista.
El cubismo se mantuvo en el primer plano las vanguardias entre 1907 y 1916. durante este período se advierten dos fases: el cubismo analítico (1907-1911) y el cubismo sintético (1912-1916).
Braque: Casas en l´Estaque 1908. Todavía absorbido por las preocupaciones fauvistas, Braque reduce, dentro del cubismo, las casas a formas geométricas respetadas por un cromatismo mesurado de verdes y pardos.
2.3.El Expresionismo:
Desde la Edad Media al siglo XX, el expresionismo fue una constante del arte alemán. Básicamente consiste en expresar una emoción intensa, distorsionando la forma y el color. Hasta finales del siglo XIX el arte pictórico había expresado las facetas visibles del ser humano, la belleza o el dolor; sólo Goya, excepcionalmente, había destrozado las convicciones con las que se representaban las anatomías para bucear en los misterios del mundo interior.
En 1905, cuatro estudiantes de arquitectura, desinteresados por el Impresionismo triunfante, se asocian en Dresde bajo la denominación die Brücke (el puente). El título lo toman de la obra de Nietzsche. Así hablaba Zaratustra y sus autores pretendían con este título vincular el pasado y el presente del arte alemán. Simpatizaron con los colores de las vidrieras góticas y sus imágenes
El grito, de Edvard Munich (Oslo, Comunes Munich Museet), cuadro emblemático del expresionismo alemán por su versión distorsionada y agresiva de las angustias humansa.
fragmentadas por grandes demarcaciones de plomo, con el primitivismo d la máscara africana y, sobre todo, con la tempestuosa ruptura cromática de Matisse, gustando que los llamaran los <
xilografía tardomedieval, realizando ásperos y duros grabados en madera con seres angustiados que preludian, por su implacable violencia y tensión, los desastres e la primera guerra mundial.
Este camino es seguido aisladamente por algunos pintores de diferentes países, el belga Ensor, el suizo Hodler, el noruego Edvar Munich, cuya obra El grito es un símbolo de la emoción delirante que se ha introducido en muchas obras de arte.
En definitiva, el expresionismo viene a ser la plasmación de las angustias interiores del hombre.
2.4.El Dadaísmo:
Es un movimiento vanguardista que comenzó con un grupo de jóvenes intelectuales, inconformistas, contrarios a la primera guerra mundial. Abarcó todos los géneros artísticos y se basó principalmente en una actitud de revuelta, desprecio y disgusto frente al orden social existente, caracterizado por una avaricia inhumana y un ansia de poder, que frente al arte tradicional había quedado invalidado por el hecho de que la sociedad lo consideró irrespetable.
Su propósito fue desarrollar hasta las últimas consecuencias la imaginación sin límites, intentando abolirlo todo.
La palabra Dadá fue escogida al azar por el poeta rumano Tristan Tzara (principal representante del dadaísmo de nacionalidad rumana. Editor, ensayista y poeta que fundó este movimiento con Hugo Ball (escritor alemán), Jean Arp (artista alsaciano) y otros intelectuales.) durante la primera
guerra mundial para simbolizar el espíritu contestatario y <
Con el fin de expresar el rechazo de todos los valores sociales y estéticos del momento y todo tipo de codificación, los dadaístas recurrían con frecuencia a la utilización de métodos artísticos y literarios deliberadamente incomprensibles, que se apoyaban en lo absurdo e irracional. Sus representaciones teatrales y sus manifiestos buscaban impactar o dejar perplejo al público con el objetivo que este considerara los valores estéticos establecidos.
Para ello utilizaban nuevos materiales, como los de desecho encontrados en la calle, y nuevos métodos, como la inclusión del azar para determinar los elementos de las obras. Los dadá profesaban todas las artes, pero no se encasillaban en ninguna.
Un ejemplo de artista dadaísta fue el pintor y escritor alemán Kurt Schwitters que se destacó por sus collages realizados con papel usado y otros materiales similares. El artista francés Marcel Duchamp expuso como obras de arte productos comerciales corrientes- un secador de botellas y un urinario - a los que denominó ready - mades. Aunque los dadaístas utilizaron técnicas revolucionarias, sus ideas contra las normas se basaban en una profunda creencia, derivada de la tradición romántica, en la bondad intrínseca de la humanidad cuando no ha sido corrompida por la sociedad.
El dada defiende la libertad del hombre, la espontaneidad y la destrucción. Se opone al arte tradicional y a una ideología burguesa.
Refleja una protesta nihilista que va en contra de todos los aspectos de la cultura occidental, sobre todo contra el militarismo.
Su rebelión contra las normas establecidas era basada en una creencia profunda y proveniente de la tradición romántica, en la bondad esencial de la humanidad cuando no esta corrompida por la sociedad.
Este movimiento surge con los destroces de la 1° guerra mundial y defiende también una actitud negativa hacia todo lo que produce la civilización bélica
Dada es cualquier cosa, es un estado de ánimo, nacido de la guerra y en la guerra. Es anarquista, revolucionario, también es indiferente, diletante y poético. Dada quiere estigmatizar la brutalidad. Dada está en contra del futuro. Existen, más que por la guerra, porque son hombres independientes que viven otros ideales.
Es una manera de ser así como una manera de vivir. Dada conoce todo, dada destruye todo, dada no habla, dada no tiene una idea fija.
Los dadaístas profesaban todas las artes pero no se encasillaban en ninguna. Sus ideas contra las normas se basaban en una profunda creencia derivada de la tradición romántica. Abrieron una puerta definitiva a lo posible y a lo imposible, a lo todo y a lo nada.
El movimiento Dada emitió su propio manifiesto, o ideas: Propugnó la abolición de la memoria y de la lógica, de la arqueología, de los profetas y del futuro , el quebrantamiento de las normas, la liberación de la fantasía y la creación de un lenguaje incoherente que era el reflejo del vivir de su sociedad.
Es un movimiento antiliterario, antipoético, anti-arte que terminó por ser anti-el mismo, para que finalmente muriera por sus propias manos. La destrucción es necesaria para la creación, naciendo así el surrealismo.
En Berlín, en 1918, se formó el club de Dadá, donde encontramos a George Gras, Raoul Hausmann y John Heartfield. En Hannover, Kurt Schwitters, realizó merzcollages con obejetos recogidos de la calle.
En Rusia, un grupo de pintores lanzó el manifiesto de un nuevo movimiento de vanguardia: el rayonismo.
El pintor Casimir Malévich lanzó en 1915 el manifiesto del suprematismo, en el cual postuló <
3.Escultura:
En el siglo XX, la escultura rompe radicalmente con el pasado y se generan numerosas tendencias de diverso signo. Entre las más relevantes, mencionamos el cubismo, el expresionismo, el constructivismo, el futurismo, el dadaísmo, la abstracción, la neofiguración, el op-art y el minimalismo.
3.1.Chillida:
• Eduardo Chillida nació el 10 de enero de 1924 en San Sebastián.
• En 1930 comenzó a estudiar en los Marianistas, San Sebastián.
• En 1943 comienza la carrera de arquitectura en la universidad de Madrid.
- En 1947 abandona la arquitectura y realiza su primera pieza en escultura.
• En 1948 se traslada a París.
• En 1954 realiza las cuatro puertas para la basílica de Aránzazu.
• En 1959 realiza su primera escultura en madera.
En 1960 recibe el premio Kandisky.
• En 1964 recibe el premio Carnegin de escultura en la Pittsburg Internacional.
• En 1971 realiza su primer trabajo en hormigón.
• En 1976 recibe el premio del Ministerio de Asuntos Exteriores del Gobierno Japonés.
• En 1983 recibe el premio Europa de Bellas Artes de Estrasburgo.
• En 1987 recibe el premio Príncipe de Asturias de las Artes.
LITERATURA DEL ROMANTICISIMO
El romanticismo es el movimiento literario que se origino afines del siglo XVIII hasta mesiados del XIX. Se caracteriza por dejar que los escritores exploten su imaginación se resalta la belleza de la mujer y la naturaleza como sinónimo de inspiración se utilizo la repetición de palabras y exclamaciones en los versos, se idealiza el amor, la muerte, la soledad, la vida etc, descripción, imposición de la irracionalidad, tendencia a vivir como se escribe(esto hace que los románticos tengan un modo de vida diferente a los del pueblo), las ideas y los sentimientos empiezan a tener auge , el espacio geográfico es resaltado, nostalgia del pasado se llega a pensar que todo tiempo pasado fue mejor, se utilizo el termino romántico con el fin de hacer desaparecer las novela de caballerías y de hechos fantásticos que dejaba la emancipación.
Algunos escritores europeos fueros Rousseau con la obra “siento antes de pensar” Goethe escribió Von deutsher Art und Kunst que hablaba del estilo del arte aleman que resultaron ser los mas representativos. Algunos movimientos políticos fueron generados gracias al romanticismo uno de ellos fue el anarquismo.
En Latinoamérica algunos representantes fueron José Hernández con su poesía gauchesca “martín fierro” , Domingo Faustino Sarmiento cos su obra facundo y lleva por subtitulo “civilización o barbarie” , una de las obras mas representativas en “Maria” escrita por Jorge Isaac escritor colombiano.
Hacia mediados del siglo XIX el romanticismo a paso a nuevos movimientos literarios.
Un ejemplo se literatura romántica puede ser martín fierro con su poesía gauchesca.
El gaucho mas infeliz
Tenía tropilla en un pelo
No le faltaba un consuelo
Y andaba la gente lista...
Teniendo el campo la vista
No veía sino hacienda y cielo
El anterior ejemplo nos demuestra como se habla de la naturaleza José Hernández vive como escribe, expresa la soledad, la vida de el, los sentimientos salen a relucir mucho y se explota la imaginación al máximo.
COSTUMBRISMO
El costumbrismo es mal entendido como una vertiente del romanticismo el periodo central del desarrollo del costumbrismo es el mismo que el romanticismo va de la década 30 a la 80 en el siglo XIX. Hunde sus raíces en España a fines del siglo XVIII, al mismo tiempo que en América. el costumbrismo ejerció una influencia definitiva en la decadencia del romanticismo. la corriente costumbrista como tal se dedicaba a recopilar tradiciones innatas de los personajes. En países hispanoamericanos como Colombia y ecuador , con mayo acento conservadores costumbrismo condujo a sostener lenguajes rígidos como los que se enseñaban en las escuelas en aquella época y dirigidos a conservar la tradición de valores feudales.
Algunos autores costumbristas como Alberto Blest gana que participo del romanticismo el costumbrismo y el realismo, escribió en1861 “ la pintura de incidentes verosímiles”el colombiano Eugenio Díaz que escribió la manuela, el museo de cuadros de costumbres, los aguinaldos de chapinero y bruna la carbonera que fueron las mas importantes Lucio Victorio Mansilla, que escribió la novela un tía en el año de 1864. Federico Bárbara escribió costumbres de los indios en las pampas, Don Ricardo Palma con obras como armonías, anales del la inquisición de lima, neologismos y americanismos, verbos y gerundios, la bohemia de mi tiempo, tradiciones. Otros escritores colombianos como lo son Juan de Dios Restrepo, José Manuel Marroquín, y José Maria Vergara.
Un ejemplo de esta clase de literatura puede ser el siguiente escrito por Don Ricardo Palma que hizo alusión a las ultimas frases de Simón Bolívar en la hacienda de San Pedro Alejandrino
En el silencioso corredor de la casa. Y sentado en un sillón en una banqueta , viese un hombre demacrado, a quién una tos cavernosa y tenaz convulsionaba de hora en hora.
El medico, un sabio europeo, le proporcionaba una porción calmante, y dos viejos militares, que silenciosos y tristes caminaban en el salón, acudían solícitos al corredor.
Mas que un enfermo se trataba de un moribundo, se trataba de un moribundo; de inmortal renombre
En este ejemplo podemos encontrar características importantes del costumbrismo como lo son se conservan los lenguajes rígidos y las tradiciones de los personajes.
NATURALISMO
Según esta corriente literaria las composiciones deben basarse en una representación razonable y lógica del hombre. Se incluye una actitud amoral en los escritores naturalistas que consideran que el instinto, la emoción o las condiciones sociales y económicas, rigen la conducta humana, se rechaza la libre decisión y se inclinan por las teorías biológicas y económicas de algunos pensadores como Darwin y Marx.
El naturalismo surgió por primera vez en el ensayo “ la novela experimental” donde Jules Huot y Emile Zola expuso su teoría del naturalismo literario. En España se plasmo en obras y periódicos de escritores como lo era Benito Pérez con la desheredada . Emilia pardo defendió abiertamente el naturalismo con su ensayo la cuestión palpitante. En Latinoamérica el naturalismo aparece en la novela hacia 1880en una corriente que busca analizar los problemas étnicos y sociales a través de la conducta de los personajes de la obra. En Argentina el máximo representante de esta corriente fue Eugenio cámbaseles cos sus obras sin rumbo y en la sangre. el mexicano Federico gamboa con santa , el uruguayo Eduardo Acevedo con Ismael, el chileno Baldomero Lillo publico sub-terra y sub-sole .
Este fragmento es de la obra los adioses y también tiene características realistas
Ensayaba, para mi, para los otros, los demás que me representaban, asomándome detrás de la deliberada pesadez del enfermero servicial y como una fotografía una sonrisa de la que no lo hubiera sido capaz. Y que no obstante, ella contemplaba sin asombro ;una sonrisa con laque proclamaba su voluntad de amparar a la muchacha de guardarla de preocupaciones transitorias de suavizar al suavizada imposibilidad de mantenerla a parte de lo que simbolizábamos el enfermero y yo, el almacén, la aurora, la sierra.
Podemos observar que se considera el instinto del ser humano las emociones y sentimientos que pude experimentarse en la vida.
REALISMO
Esta corriente literaria intenta deducir el comportamiento humano en su entorno, representa obras con personajes que actúan igual que en la vida cotidiana. movimiento que comenzó a mediados del siglo XIX como reacción al romanticismo. el realismo se ocupa de aquellas cosas que se perciben con los sentidos, sus ideas deben estar basadas en presentaciones imparciales y objetivas, preocupándose por la representación de la vida sin ocuparse de la forma, por esta razón los autores no les importaba las preocupaciones económicas que podría tener un personaje de la clase media.
El realismo se percibe como una corriente que nació en Europa y estados unidos en 1840 y murió con la llegada del naturalismo en 1890 . en Francia con Gustave y Guy de maupassant que fueron contra el lirismo y el romanticismo. En Rusia fue representado por el teatro y el relato de Antón chejov. En estados unidos mark twain y William deán howell, Henry james introdujo el genero de la novela psicológica gracias a su preocupación por la conducta de los personajes.
Una obra representativa que además de tener características realista tiene características naturalistas es los adioses de:
Ensayaba, para mi, para los otros, los demás que me representaban, asomándome detrás de la deliberada pesadez del enfermero servicial y como una fotografía una sonrisa de la que no lo hubiera sido capaz. Y que no obstante, ella contemplaba sin asombro ;una sonrisa con laque proclamaba su voluntad de amparar a la muchacha de guardarla de preocupaciones transitorias de suavizar al suavizada imposibilidad de mantenerla a parte de lo que simbolizábamos el enfermero y yo, el almacén, la aurora, la sierra.
Podemos observar que las características del realismo se aplican perfectamente en este fragmento pues se ve que los personajes actúan igual que en la vida cotidiana y se muestra el entorno de ellos, también se refleja la despreocupación de el autor por la citación económica del personaje
EL MODERNISMO
El modernismo se convierte en la manera de expresar que se acaban las costumbres poéticas, se renueva el vocabulario utilizando expresiones y combinaciones léxicas raras, se da un nuevo sentido ala metáfora, la aceptación de las melodías del verso, se rehabilitan fuentes olvidadas. El preciosismo, el exotismo, el recuerdo épocas antiguas, la mención de cosas lindas crean la literatura modernista Se denomina como el movimiento encabezado por Rubén Darío que fue el creador de este a fines del siglo IX y se extendió de 1870 a 1910, su texto principal es azul.
El modernismo coincide con el desarrollo de ciertas ciudades latino americanas que comercializan exageradamente con Europa y se puede considerar como una revolución literaria que buscaba independencia de los que siempre habían marcado la literatura americana sin dejarlos buscar su propia identidad. En América la salida de los españoles daba la idea de norte americanizarse. Este fenómeno cultural que reacciona en contra del romanticismo y costumbrismo hace que la cultura grecolatina reaccione creando nuevos mitos, por primera vez España mira a América como modelo. Se interesan por las nuevas filosofías de vida adoptando la experiencia de novela histórica y crónica con alusión y locura, se describen ambientes de refinada bohemia que se idealizaban líricamente, se introducen elementos eróticos con mujeres fatales que levan al hombre ala perdición y la muerte
En América latina políticamente el modernismo se deriva hacia muchos caminos pero siempre se opone al norte americano, en Argentina los escritores modernistas como Lugones fueron socialistas conservadores y fascistas. En Uruguay democráticos y progresistas como el escritor José enrique Rodó, y por Colombia aunque con un modernismo un poco cambiado el escritor José Maria Vargas Vila.
Un ejemplo de la literatura modernista puede ser el siguiente
La reina mab en su carro hecho de una sola perla, tirado por cuatro coleópteros de petos dorados y alas de pedrería , caminando sobre un rayo de sol , se coló por la ventana de una buhardilla donde estaban cuatro hombres flacos barbudos e impertinentes lamentándose como unos desdichados...
Los cuatro hombres se quejaban . al uno le había tocado en suerte una cantera, al otro el iris, al otro el ritmo , al otro el cielo azul. La reina mab oyó sus palabras.
Rubén Darío
En el anterior fragmento podemos diferenciar la utilización de léxico extraño, la exaltación de la historia como elemento de escritura, la creación de texto con rasgo de locura literariay un nuevo sentido de metáfora.
EL VARGUARDIMO
En 1922 se publica en sanjuán de puerto rico un manifiesto que tiene como consigna ¡cerremos nuestra memoria , maquina imitadora, loro estúpida, y abramos nuestra imaginación a hacer “cosa nuevas bajo el sol”! En América encantamos situaciones socio culturales qué crean un ambiente propicio para su surgimiento. Los movimientos literarios de este nuevo arte se caracterizaron por tener una respuesta rebelde a la crisis ideológica de la sociedad, rompieron con las normas estéticas y con los géneros literarios , con la tradición, rompieron con la modernidad e iniciaron la literatura contemporánea, rompieron fronteras y crearon una literatura continental. Por esta razón Borges dice “ el índice de la nueva poesía americana”, los vanguardistas querían un arte nuevo instaurado desde el principio y originado a partir de la ruptura, su objetivo era tener una literatura que fuera capaz de expresar la realidad cambiante de ese momento, por eso se cambio el orden sintáctico de las oraciones , la ortografía y la lógica del discurso, se utilizo el verso libre y la metáfora como formas de expresión todo esto con el fin de ampliar el campo de lo que era posible decir, esto acarreo una nueva forma de pensar ya que se debía entender lo que se escribía.
Algunos de los representantes por América latina fueron Vicente Hidobro de Chile que fue uno de los primeros en que se intereso por este fenómeno literario y su obra mas conocida es el poema a altazor , otro de los escritores de esta época fue José Luis Borges de Argentina con sus obras “Luna de enfrente , fervor Buenos Aires y cuaderno san martín”, ente los mas representativos otros tantos como Juan José Areola que escribió varia invención y confabularío, Bestiario de Julio Costazar y el llano en llamas de Juan Rulfo.
Un ejemplo de esta pude ser “Arte Poética” de Vicente Hidobro.
Que el verso como se una llave
Que abra mil puertas
Una hoja cae; algo pasa volando;
Cuando mire los ojos creado sea
Y el alma del oyente quede temblando
En este fragmento podemos encontrar la transposición de la palabras como una nueva forma de expresión vemos como el autor utiliza el verso libre, las metáforas son diseñadas con otro orden contextual y se pierde el orden del discurso, esto con el fin de expresar de una forma muy diferente a la impuesta por los europeos el desorden social.
EL SIMBOLISMO
Este movimiento literario nacido a fines del siglo XIX llevo a los escritores a expresar sus valores y sentimientos mediante símbolos (sin demostrarlos directamente) algunos escritores rechazaba las tendencias de anterior siglo como el romanticismo , el realismo y el naturalismo, proclamaron que la imaginación era el modo mas eficaz para representar la realidad, se debía hacer por medio del simbolismo. los simbolistas se caracterizaban por alejarse de las rígidas normas de la letra y las imágenes poéticas.
Entre los principales autores de la poesía simbolista figura el escritor estadounidense Edgar Allan Poe, El poeta francés Gerard de Nerval, charles Baudelaire con la obra las flores del mal, Stephane Mallarme se encargo de difundir el movimiento a través de su salón literario de poesía , el simbolismo se difundio por todo el mundo y tuvo gran influencia en Rusia con la obra del pota Alexander Blok. En España influyo la literatura de Rubén Darío Antonio Machado y Juan Ramón Jiménez.
BIBLIOGRAFÍA
ROMAN H. Pedro Jose, Talento 9, ED Voluntad s.a., Santa fe de Bogotá, 1993.
ENCICLOPEDIA Temática Nueva, tomos 9, 10, 12, 13, ED Richards s.a , Panamá, 1967
CADAVID, José Hernando, Lengua Castellana 9, ED Norma, Colombia, 1998
ORDOÑES, Dias Olegario, Español sin Fronteras 9, ED Voluntad s. a. , Bogotá Colombia, 1991
CELY, Campos Victoria, Español sin Fronteras 11, ED Voluntad s.a. , Bogotá Colombia, 1989
ENCARTA 98 , Microsoft
PEÑA Gutiérrez Isaías, Manual de literatura latinoamericana, educar editores, bogota Colombia 1987.
Pintura latinoamericana del siglo XX
EL EXPRESIONISMO.
“Corriente expresionista que buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del autor, más que la representación de la realidad objetiva”. El movimiento expresionista apareció en los últimos años del siglo XIX y primeros del XX como reacción frente a los modelos que habían prevalecido en Europa desde el Renacimiento, particularmente en las anquilosadas academias de Bellas Artes. El artista expresionista trató de representar la experiencia emocional en su forma más completa, sin preocuparse de la realidad externa sino de su naturaleza interna y de las emociones que despierta el observador. Para lograrlo, los temas se exageran y se distorsionan con el fin de intensificar la comunicación artística.
Aunque el termino expresionismo no se aplicó a la pintura hasta 1911, sus características se encuentran en el arte de casi todos los países y periodos. Parte del arte chino y japonés resalta las cualidades esenciales del sujeto por encima de su apariencia física. Los artistas de la Europa medieval exageraban sus figuras en las catedrales románicas y góticas para intensificar la expresividad espiritual. La intensidad expresiva creada mediante la distorsión aparece también en el siglo XVI en las obras de los artistas manieristas. Los auténticos precursores del expresionismo vanguardistas aparecieron sin embargo a finales del siglo XIX y principios del XX, encontrando las figuras del pintor holandés Vincent van Gogh, el francés Paul Gauguin y el noruego Edvard Munch , que utilizaron colores violentos y exageraron las líneas para conseguir una expresión más intensa.
“ El arte es en esencia una representación ficticia de aquello que el hombre es capaz de ver, de sentir o de soñar ”.“Un lienzo en blanco es una obra de arte en potencia en cuya realización van a intervenir dos factores esenciales : el artista, con su sensibilidad y mente creadora, y la forma, que se manifiesta como estilo o convención, de modo parecido a como utilizamos una lengua. Los movimientos que conocemos como Vanguardia lograron establecer el principio de libertad del artista frente al dogmatismo de la Academia y del arte oficial. Pero en el uso de su libertad los artistas se bifurcan en dos grandes corrientes que representan dos maneras de enfrentarse a la creación artística. Una trata de analizar la materialidad de la obra de arte como respuesta a una pregunta fundamental : ¿ qué es la pintura ? Es decir, un planteamiento formal. La otra se preocupa de cómo el artista pueda expresar lo que anida en su mente, sus sentimientos, sus angustias. Responde más bien a la pregunta del artista : ¿ quién soy yo ? Es decir, un planteamiento psicológico en el que prima la expresión individual del artista que podrá utilizar una o varias de las formas que la otra corriente ofrezca. En cualquier caso tenderá a exagerar la forma, como un actor enfatiza su personaje, para que distingamos más crudamente cuales son los rasgos de su carácter o el orden de sus preocupaciones. A la primera línea corresponden el Cubismo y sus derivados ; a la segunda, las distintas variantes del Expresionismo”.
La obra de arte según Wilhelm Worringuer (1881-1965) surge como fruto de una necesidad interior del artista y su resultado depende de la identificación del espectador con ella, o sea, de la empatía. Los colores y las líneas, por sí mismos, ya configuran una forma natural o abstracta, ejercen sobre el espectador una influencia, y esta realidad psicológica será aprovechada por los expresionistas para enviar su mensaje al espectador.
Los expresionistas intentan transmitir al lienzo, al papel o madera sus vivencias personales, sus sensaciones, sus sentimientos e incluso aquello que no podían controlar conscientemente. Los expresionistas rechazaron todo lo que tuviera que ver con la belleza, con la armonía, con lo idea. Intentan por el contrario reflejar la pasión, el sufrimiento, la injusticia, la angustia y la violencia a través de una expresión personal que cambiaba los colores tradicionales, la perspectiva y la composición por colores discordantes y formas distorsionadas.
Por este termino tan ambiguo se entienden cosas muy diferentes : desde una tendencia general y supuestamente innata en los países germánicos hacia la exacerbación de las manifestaciones desgarradas de los sentimientos, especialmente en los momentos de crisis, hasta un istmo que abarca desde 1905 hasta finales de los años treinta. Acerca de él podemos decir con seguridad que no tiene un jefe de fila, ni un manifiesto común, que surge en diferentes ciudades de Alemania extendiéndose a otros países pasando por diversos momentos que en ocasiones tienen que ver muy poco unos con otros. No se trata de un estilo artístico, ni de una escuela, sino de una postura ante la creación artística en todas sus manifestaciones : literatura, cine, música, pintura y en muchos casos también ante la vida.
ARTE LATINOAMERICANO A PRINCIPIOS DEL SIGLO XX. NACIONALISMO E INDIGENISMO.
El nacionalismo ha sido, una de las problemáticas centrales del arte latinoamericano del siglo XX.
A principios de siglo, el internacionalismo producido por los adelantos en los medios de comunicación, así como el espectro del creciente poderío económico de los Estados unidos, produjo una reacción nacionalista. Se introduce la idea de la raza como elemento constitutivo de la nación. En el libro del argentino Ricardo Rojas, “ Eurindia” un ideario nacionalista que resume los principales tópicos y tendencias que dieron la forma al pensamiento nacionalista latinoamericano. Para comprender este ideario que tan marcadamente definió las artes plásticas tenemos que entender el contexto social de la actividad artística al iniciarse el siglo. En América Latina apenas se empezaban a construir espacios institucionales para la práctica artística. La institucionalización del arte a través de las academias regentadas por el estado le otorgó a la plástica una función pública, de proyección oficial, que ayudó a impulsar el sentido nacionalista del arte en la región. Los artistas servirán de intermediarios entre el estado y la colectividad.
Frente a las exigencias nacionalistas, las tradiciones artísticas locales se convirtieron en cantera para los artistas. Del pasado precolombino y colonial podían extraerse las más variadas lecciones y distintas versiones de lo que podría constituir una nueva tradición artística.
A este historicismo se vino a enfrentar el indigenismo, un movimiento que buscó la reivindicación social de las comunidades indígenas y la revalorización de sus tradiciones culturales, alimentándose de los programas políticos y los movimientos sociales que por entonces surgieron en defensa de las comunidades nativas. “ el problema del indio” que sólo puede ser definido como tal bajo la concepción moderna de una nación étnica y culturalmente homogénea. La angustia mestiza y criolla frente al concepto de autenticidad cultural determinará en gran parte el desarrollo del indigenismo.
La autenticidad cultural se constituye entonces como el núcleo central de la problemática indigenista en la plástica. El indigenismo no es más que una serie de estrategias diseñadas para satisfacer la demanda de una identidad basada en una cultura nacional autentica y orgánica.
Los artistas indigenistas procedían de una clase media urbana muy alejada social y culturalmente de los grupos que intentaban representar. Los propios indigenistas fueron conscientes de esta disyuntiva : presentaron al indio como paradigma de la nacionalidad auténtica, como origen y fuente primordial de una cultura nacional, mientras admitían al mismo tiempo que ellos formaban parte de esa colectividad.. En la figura del indio singular e indiviso que los indigenistas llevaron a la pintura, se esfumarían las etnias y los individuos específicos que las componen.
Si la presencia física de la raza indígena sirvió para definir un arte auténtico, los productos culturales de ese grupo étnico fueron otro de los soportes de la plástica indigenista.
El indigenismo no representó tan sólo un redescubrimiento de las creaciones populares y prehispánicas ; significó su definitiva incorporación a la categoría misma de arte.
Cada país desarrolló su propia versión del indigenismo. En el caso mexicano, la Revolución fue particularmente importante en la definición de las funciones de y las formas de la pintura indigenista. A partir de la Revolución, el indigenismo se promovió en gran medida desde el muralismo. Son entonces, los espacios y las funciones de la pintura mural los que definieron los aspectos distintivos del indigenismo mexicano.
El éxito internacional alcanzado por el muralismo mexicano, a partir de la década de 1930, hizo que México se convirtiera en el prisma a través del cual la crítica internacional evaluaba el arte latinoamericano. El ejemplo de México tuvo particular importancia en Ecuador, donde el indigenismo se desarrolló más tarde que en Perú, y donde pintores como Eduardo Kingman ( 1913 ), Leonardo Tejada (1908) y Oswaldo Guayasamín (1919) desarrollaron dentro del realismo social, una pintura de reivindicación de las poblaciones indígenas ecuatorianas.
La crisis paralela del nacionalismo y las demandas del arte moderno llevaron al indigenismo a su crisis definitiva y a la perdida de su hegemonía.
OSWALDO GUAYASAMÍN.
Nace en Quito el 6 de julio de 1919 muriendo en el año 1999. De padre indio y madre mestiza. Su padre era carpintero y más tarde taxista y camionero, lo que le hace ausentarse durante largas temporadas de su casa. La familia vive en una gran miseria, algo que repercute en nuestro autor, primero de diez hermanos. Su temperamento artístico despertará muy pronto, no es muy aplicado en el tema de los estudios, siendo despedido incluso de varios colegios por hacer caricaturas de sus profesores y compañeros de clase. También comienza a vender algunos pequeños cuadros de paisajes o retratos de estrellas de cine.
A pesar de la completa oposición de su padre, entra en la escuela de Bellas Artes de Quito en 1832, mismo año en el que en un levantamiento obrero “la guerra de los cuatro días” estalla un artefacto y mueren varias personas entre ellas su amigo y compañero de escapadas a la sierra para admirar la naturaleza, su amigo Manjarrés. Este suceso en el que él estuvo presente inspirará su obra “Los niños muertos”. Suceso que marcará su vida y que marcará de manera decisiva su visión de la gente y de la sociedad. Al día siguiente lo echan de la escuela sin razón aparente, algo que lo hace recapacitar sobre las injusticias e desigualdades que amenazan al hombre. A todo esto se unen las charlas de un amigo mayor sobre las ideas socialistas a la vez que lo introduce en los movimientos de reivindicación. Además los ecos de la guerra civil española aumentan su confusión. Colofón de esta joven pero intensísima vida es la boda con una joven de Guayaquil con la que se casa en secreto topándose con la oposición de los padres de la muchacha, algo que le lleva a un intento de suicidio como antes había hecho un amigo suyo, pero este suicidio resulta fallido, escapando de la muerte de milagro.
Tras estos fatídicos sucesos continuará sus estudios en la Escuela de Bellas Artes obteniendo en 1941 el diploma de escultor y pintor y obteniendo un segundo premio en el concurso “ Mariano Aguilera”.
Su visión sobre la existencia evoluciona positivamente, comprendiendo mejor el valor de la vida, la extraordinaria belleza de la creación y los infinitos recursos del hombre.
Su primera exposición en Quito provoca un escándalo, considerándose un enfrentamiento con la exposición oficial de la Escuela de Bellas Artes, donde había sido proclamado mejor alumno.
Acontecimiento que da la vuelta a su situación y al resto de su vida es la visita del magnate estadounidense Nelson Rockefeller que de visita a Ecuador, acude a la sala del joven pintor y compra varios cuadros que le entusiasman lo que permite a Guayasamín pagar algunas deudas y hacer proyectos de futuro. Más tarde en otra exposición en Guayaquil de gran éxito consiguiendo por fin el premio “Mariano Aguilera” por su cuadro Retrato de mi Hermano.
En 1943 visita Nueva York durante seis meses donde es acogido generosamente , visitando los museos, y conociendo y estudiando a los grandes maestros como El Greco y Cézanne. Aquí monta exposiciones y con el dinero que saca se traslada a México, donde conoce al gran maestro muralista José Clemente Orozco quien acepta tener a Guayasamín a su lado, algo extraño pues él estaba acostumbrado a realizar sus trabajos con la única ayuda de un asistente sordomudo.
En esta época conoce también, y entabla amistad con Pablo Neruda.
En 1945 junto a dos amigos emprende un recorrido por los países de América del Sur, Perú, Bolivia, Argentina, Uruguay y Brasil donde pretende conocer las vidas de los personajes de estos países, en particular el drama de los indios, los negros y todos los pobres. Así nace su gran serie “Huacayñán”.
La idea básica del artista es Latinoamérica ha llegado al final de un ciclo de dominación por un cristianismo que no tomaba en cuenta el mundo sobrenatural y sacrificaba la condición del hombre vivo, sometiéndole a penitencias y humillaciones que facilitan su rendición a los opresores. De sus obras más horribles se desprende un verdadero amor hacia la creación y un sentimiento casi religioso de los verdaderos valores humanos.
En 1959 viaja a Cuba invitado por Fidel Castro, donde le hace un retrato. Aquí en Cuba los relatos del drama provocados por la revolución cubana le proporcionan la idea de una nueva serie de cuadros “Los Mártires” además de arañar un poco más si cabe su corazón algo que se reflejará en esta serie y en el resto de su obra.
En 1963 comienza la realización de la serie “ La edad de la ira” que será su testimonio fundamental contra la crueldad y la injusticia .
En 1971 es elegido presidente de la Casa de Cultura de Ecuador, tomando la iniciativa para un importante programa de difusión de la cultura para el pueblo
Es uno de los artistas más importantes del continente americano y, sin duda, el más acérrimo defensor del indigenismo. Esta apuesta por las raíces del sustrato común de los pueblos latinos del continente ha inspirado su obra desde el inicio de su trayectoria. Su formación artística comienza en su ciudad natal, a la sombra de una pintura de corte tradicional, que pronto abandonará para abrazar la estela del expresionismo y el compromiso social que encuentra en la obra de los tres grandes muralistas : Rivera, Orozco y Siqueiros. Autor de una extensa y monumental obra, ha gozado de un gran reconocimiento, tanto en su país, donde en 1981 se creó una Fundación que lleva su nombre, como internacionalmente. Recibió en vida diversos premios, entre ellos, el Gran premio de Pintura de la III Bienal Hispanoamericana de Arte ( 1955 ) donde expuso su primera serie de envergadura, Huacayñán ( “ el camino del llanto” ) integrada por mas de cien telas de temática indigenista, y el premio Mejor Pintor de Sudamérica ( Bienal de Sao Paulo, 1957 ). Su obra, de gran fuerza expresiva, mantiene siempre un carácter de denuncia social, y plasma los grandes dramas del hombre de nuestro tiempo, de forma especialmente relevante en su segundo gran trabajo, La edad de la ira 1968, compuesto por unas 260 obras.
Con sólo 20 años, es uno de los artistas que abandera en su país la defensa del movimiento indigenista. Fue Guayasamín representante destacado del expresionismo en Latinoamérica. Influido por los muralistas mexicanos entre otras muchos utilizó una técnica expresionista al tratar temas indigenistas de su país. Su expresividad, colorido y fuerza son un testimonio de la fuerza vital de este autor, un pintor de fuerza, un pintor de las raíces de su pueblo y de la gente que sufre, que sufre el dolor con la esperanza vista en el amor. Una pintura que representa aquello que le obsesionaba denunciar : la miseria y el dolor de su pueblo “ Mi pintura es para herir, para arañar y golpear en el corazón de la gente. Para mostrar lo que el Hombre hace contra el Hombre”. Al denunciar la pobreza, el hambre la infamia, la violencia y la tortura, el arte de Guayasamín no se limita a transmitir el mensaje de cual quiere ser interprete y vocero. Los hombres y mujeres sufridos, dolidos, pero no resignados, de sus cuadros y murales, sofocan sus gritos gracias al pudor con que se envuelven su profunda tristeza. En la expresión de sus rostros se adivinan tragedias milenarias, un sufrimiento reflejado en los rasgos lívidos y demacrados, aunque el silencio hierático tras el que se esconden pretenda disimularlos. Los corazones de estos hombres están quemándose en las gargantas, en las bocas abiertas apunto de estallar, en las voces del Miedo, del Lamento, el Llanto o la Ira, los que justamente son títulos de sus cuadros. Es a través de estos repetidos temas como Guayasamín expresa el ferviente deseo del hombre que busca atientas su libertad en un mundo que se la escamotea. El deseo de la libertad no sólo del hombre que aspira reencontrarse en la unidad solidaria con otros hombres, sino del hombre que se integra armoniosamente con el resto de la creación. Pinceladas de una pintura que , como la vida misma, oscila entre la desesperación y la esperanza entre la realidad y la utopía.
Durante la década de los 40 comienza a mostrar su pintura en Quito y de aquí pasa a exhibir su pintura en distintos puntos del país. Gracias al apoyo de algunos mecenas como el estadounidense Nelson Rockefeller, Guayasamín se introduce en las mejores colecciones de arte latinoamericano de EEUU. Su figura y su obra comienzan a adquirir un considerable prestigio en el medio artístico.
Es un hombre que no se nutre sólo del pasado, las tradiciones y la cultura de Ecuador. Su pintura es expresión y símbolo de una condición de americano universal que ha hecho del arte una herramienta de la solidaridad entre los hombres.
En su pintura no hay medias tintas ; se apuesta claramente por la figuración y, en consecuencia se rechaza todo atisbo de abstracción.
Pocos artistas ha habido en la historia del arte que hayan sido más fieles a sus orígenes, convicciones y compromisos sociales y espirituales.
INFLUENCIAS EN EL PINTOR.
Como todos los artistas este autor percibirá durante su vida la obra de otros pintores, que poco a poco configuraran su manera de pensar crear y plasmar.
Las principales influencias que recibe el artista son nueve, y son las siguientes :
• El muralismo mexicano.
• Diego Rivera.
• José Clemente Orozco.
• Cándido Portinari.
• El Greco.
• Paul Cézanne.
• Pablo Picasso y el Guernica
• Goya y las pinturas negras.
• Paul Klee.
EL MURALISMO MEXICANO.
Movimiento artístico de carácter indigenista que surge tras la Revolución Mexicana de acuerdo con un programa destinado a socializar el arte, y que rechaza la pintura tradicional de caballete, así como cualquier otra obra procedente de los círculos intelectuales. Propone la producción de obras monumentales para el pueblo en las que se retrata la realidad mexicana, las luchas sociales y otros aspectos de su historia. El muralismo mexicano fue uno de los fenómenos más decisivos de la plástica contemporánea iberoamericana y sus principales protagonistas fueron Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros. A partir de 1930 se internacionalizó y se extendió a otros países de América.
El impulsor de este movimiento fue José Vasconcelos, filósofo y primer secretario de Educación Pública de México quien, tras la revolución pidió a un grupo de artistas jóvenes y revolucionarios que plasmaran en los muros de la Escuela Nacional Preparatoria de la ciudad de México la imagen de la voluntad nacional. Los artistas tenían total libertad para elegir los temas y mostrar un mundo nuevo sobre las ruinas, la enfermedad y la crisis política surgida tras la Revolución. Influenciados por el rico pasado precolombino y colonial, los muralistas desarrollaron un arte monumental y público, de inspiración tradicional y popular, que ponía fin al academicismo reinante, exaltando su cultura y origen precortesiano
En el manifiesto a favor del indigenismo se hacen públicos los principios del movimiento que fue dedicado a la raza indígena, humillada durante siglos, a los soldados que lucharon en favor de las reivindicaciones populares, a los obreros y campesinos, y a los intelectuales no pertenecientes a la burguesía. Exaltando además las manifestaciones de arte monumental por ser de utilidad pública. Se proclama que los creadores de belleza deben esforzarse porque su labor presente un aspecto claro de propaganda ideológica en bien del pueblo, haciendo del arte una finalidad de belleza para todos, de educación y combate. Reivindican el arte indígena como arte en sí mismo y como modelo social.
El muralismo se desarrolló e integró fundamentalmente en los edificios públicos y en la arquitectura virreinal. Los muralistas se convirtieron en cronistas de la historia mexicana y del sentimiento nacionalista, desde la antigüedad hasta el momento actual. La figura humana y el color se convierten en los verdaderos protagonistas de la pintura. En cuanto a la técnica, redescubrieron el empleo del fresco y de la encáustica, y utilizaron nuevos materiales y procedimientos que aseguraban larga vida a las obras realizadas al exterior. El introductor de nuevas técnicas y materiales fue Sequeiros, que empleo como pigmento piroxilina y cemento coloreado con pistola de aire ; Rivera y Orozco emplearon también mosaicos en losas precoladas. Las investigaciones técnicas llevaron también al empleo de bastidores de acero revestidos de alambre y metal desplegado, cal y arena o polvo de mármol de unos tres centímetros de espesor.
El color y la figura humana como protagonistas de la pintura, los temas de protesta social, la utilización del polvo de mármol son algunas de las cosas que influyen en el pintor ecuatoriano.
DIEGO RIVERA.(1886-1957).
Pintor mexicano que realizó murales con temas sociales, considerado como uno de los grandes artistas de este siglo. Nació en Guanajuato y fue educado en la Academia de Bellas artes de San Carlos, en la ciudad de México. Entre 1907 y 1921 estudió pintura en Europa, principalmente en España y Francia, familiarizándose con las innovadoras formas cubistas de Pablo Picasso, el impresionismo de Renoir, la composición de Cézanne y otros artistas de la época. En 1921, Rivera regresó a México, donde representó un papel determinante en el renacimiento de la pintura mural iniciado por otros artistas y patrocinado por el gobierno. Se dedicó a pintar grandes frescos, sobre la historia y los problemas sociales de su país, en los techos y paredes de edificios públicos, ya que consideraba que el arte debía servir a la clase trabajadora y estar fácilmente disponible o a su alcance. Entre 1923 y 1926 realizó los murales al fresco de la Secretaria de Educación en la ciudad de México, pero su obra maestra es La tierra fecunda (1927) para la Escuela Nacional de Agricultura de Chapingo, donde representa el desarrollo biológico del hombre y su conquista de la naturaleza.
Rivera fue el adelantado del renacimiento del arte mejicano. Su estilo debe mucho a los experimentos del moderno arte europeo, que Rivera conoció en sus años de estudio en París, donde se hizo amigo de Picasso, Bracque, Gris y apreció la de éstos ; pero todas estas innovaciones europeas las reelaboró y refundió en un grandioso estilo nacional enraizado en formas aztecas y mayas. Al servicio de la revolución mejicana, creó un estilo monumental con la intención de que pudiera registrar dignamente los grandes acontecimientos históricos y fuera al mismo tiempo, gracias a sus amplias simplificaciones, inteligible a las masas. El realismo monumental de Rivera es un himno a la realidad que él y su generación tuvieron que empezar por crear con sus propias fuerzas.
JOSÉ CLEMENTE OROZCO.(1883-1949).
Pintor muralista mejicano, contribuyó a recuperar la técnica, el diseño y los temas de la pintura al fresco. Está considerado como uno de los más destacados muralistas desde los tiempos del renacimiento.
Estudió en la Escuela Nacional Preparatoria y en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Conoció en Méjico el taller del grabador José Guadalupe Posada que lo impresionó y cuya influencia marcaría toda su obra. En 1922 se unió a Diego rivera y David Alfaro Siqueiros en el sindicato de pintores y escultores, que buscaba recuperar el arte de la pintura mural bajo el patrocinio del gobierno mejicano.
Sufrió en menor grado que Rivera la influencia de las tendencias europeas y se creó en un estilo dramático y efectista de colorido audaz y formas abruptas. El arte de Orozco, lo mismo que el de sus des colegas ha dado sus mejores resultados en el campo de la pintura mural. Sobre las espaciosas paredes de los edificios públicos, el fuerte y tajante lenguaje de sus formas encuentra en su escenario más adecuado. Su arte grandioso sirve para formar la conciencia del pueblo mejicano poniendo ante sus ojos, en las amplias imágenes de la pintura mural, su propia historia y su destino.
En la década de 1940 pintó algunos lienzos caracterizados por las líneas diagonales y el color gris que ya venía utilizando para sus pinturas murales. En los últimos años su estilo se fue simplificando, buscando sobre todo un carácter más dramático y violento que le aproximara más al expresionismo.
Trabajó Guayasamín con Orozco en 1943 cuando lo conoce en un viaje a Méjico. Le enseña la técnica del fresco y le permite trabajar durante tres meses con él en una de sus pinturas murales.
CÁNDIDO PORTINARI.(1903-1962).
Es el introductor del muralismo en Brasil. Pintor de formación europea que de regreso a su país descubriría el trabajador multirracial brasileño, que se volvió en tema de su pintura, encontrando así el publo brasileño quién lo pintara, de la misma forma monumental con que los pintores mejicanos exponían sus problemáticas .
El pasaje del mural al temple indica su versatilidad, que lo llevó a la utilización también de la cerámica en ciertas ocasiones. Portinari, pues, tuvo un respiro internacional que no fue debido slamente al hecho de pintar con cierto realismo expresionista, ni al hecho de que su contenido social y político tuvo siempre particular espesor ; él supo ofrecer mensaje y sapiente orquestación del conjunto y en eso manifiesta claramente su apego al gran muralismo mejicano, aunque manteniendo su propia personalidad.
La importancia de Portinari como modelo, al lado de los pintores mejicanos, en Sudamérica se evidenció muy pronto, al igual que en Argentina y en Venezuela, donde hubo una consistente producción muralista.
El GRECO.(1541-1614).
Su primera formación la recibe en la isla de Creta, especializándose en iconos religiosos sobre fondos dorados, de acuerdo con la tradición bizantina tardomedieval imperante en los talleres griegos. En 1568, se traslada a Venecia donde admira el vibrante colorido de Tiziano y el alargado canon manierista de Tintoretto. Su estancia en Italia la completa en Roma, asimilando el apretado dibujo de Miguel Angel. Sintetizar varias escuelas, el color veneciano y el diseño romano será la máxima aspiración de su estilo. En torno a 1576 debió de trasladarse a España con la intención de servir a Felipe II en la decoración del monasterio de El Escorial.
A la espera de una respuesta favorable de Felipe II, el Greco pasará a Toledo para pintar algunos retablos. Mas tarde se instala en Madrid donde tiene algunos problemas con Felipe II y el círculo cortesano , fijando de esta forma su domicilio definitivo en Toledo en 1582.
Al final de su vida el color se va apagando, reduciéndose a una gama fría de tonos verdosos, grises, amarillos y carmines. Las figuras acentúan su expresivismo al dislocar el pintor las proporciones y deformar las anatomías. Las obras que pinta abarcan tres frentes : retablos y series devotas para establecimientos religiosos, retratos psicológicos de la aristocracia local y paisajes de ciudad del Tajo.
Frente al modelo de artista místico y arrebatado, ha surgido la figura del pintor esteticista e intelectual, filósofo, que se tuvo por genio, ajeno a las preocupaciones de los devotos y eruditos contemporáneos, bien al servicio voluntario de la España de Felipe II y Felipe III, de la que se habría convertido en perspicaz interprete, o bien alejado de este tipo de problemas, y por tanto dedicado en exclusiva y a contracorriente al desarrollo de una pintura personal y formalista, de acuerdo con sus propios postulados teóricos relativos al arte, que dejó en forma de anotaciones personales en algunos libros de su biblioteca. Este abanico de posibilidades constituye una respuesta lógica a este personaje tan singular y paradójico y demuestra el interés que sus realizaciones han despertado entre críticos e historiadores del arte, como en cualquier espectador que se aproxime a sus obras y experimente la atracción y el desconcertante efecto de sus lienzos.
En 1942 Guayasamín es invitado por el Departamento de Estado para seis meses en Estados Unidos, en Nueva York, donde visita los museos y realiza numerosos estudios sobre los grandes maestros en particular del Greco y Cézanne. Podemos ver en el pintor quiteño las manos tan expresivas y alargadas que veíamos en el Greco y esa expresividad corporal que mantienen a un pintor y a otro en el mismo canal. La temática religiosa del Greco, aunque Guayasamín se declare ateo desde la muerte de su amigo, también le interesa.
PAUL CÉZANNE.(1839 - 1906).
Alcanza la madurez pictórica a los 50 años ; hasta entonces había sido un artista fracasado. Hijo de un sombrerero enriquecido que moriría en 1886, fecha en la que Cézanne crea un estilo original.
Aunque la pintura de Cézanne hunde sus raíces en el impresionismo, es uno de los pintores que superaron este arte tan sometido a la tiranía del ojo, tan obsesionado por el vuelo del momento. Su concepción pictórica no descansa exclusivamente en la mirada, como ocurre en el Impresionismo, sino en “la vista y el cerebro : las dos - opinaba el pintor - tienen que ayudarse entre sí”. Este desarrollo mutuo de los sentidos y la reflexión en el cuadro lo llevan a forjar su credo artístico : “ En la naturaleza todo se modela según la esfera, el cono y el cilindro. Hay que aprender a pintar sobre las bases de estas formas simples y entonces podrá hacer uno todo lo que desea”.
Quería que sus pinturas tuvieran un aire de intemporalidad, una significación universal comparable a la de las obras maestras del pasado. Los medios empleados para este fin consistían en la construcción formal ; firmemente articuladas, sus composiciones.
La simplificación de la naturaleza en líneas perpendiculares y diagonales, donde la pincelada de color tiene volumen y peso es algo propio del autor. Novedoso también en el autor son las formas geométricas construidas con grandes pinceladas de colores, intenta reducir las formas naturales a prototipos geométricos de esfera prisma y cono.
El mero parecido con lo que hasta entonces se había hecho ya no le satisfacía ; allende los límites de lo que el ojo puede observar, se afanó por descifrar la verdadera esencia de la realidad.
Descubrió que también el color podía emplearse con arreglo a principios, como los tonos de una escala musical. El método severamente intelectual de su pintura se revela en cada una de sus pinceladas : los cuadros son entramados de color, apretadamente tejidos, en los que cada pincelada es concebida en una relación contrapuntística con las demás.
Con Cézanne, restableciose el orden en la pintura, y esto es lo que hace de él, el precursor y santo patrono de gran parte del arte moderno.
PABLO PICASSO. EL GUERNICA.(1937)
Contemplando la gigantesca exposición de “La edad de la Ira”, se recuerda en principio el Guernica de Pablo Picasso, como figuras matrices de dolor y de rabia frente a la violencia totalitaria que sufriera la patria de Picasso. Pareciera el prólogo o preámbulo de otra Divina comedia, de un Juicio final que será más amplio. El cuadro parece entonces abrirse para dejar ver un fondo aún más tremendo. El fondo que antecediera y siguiera a esta guerra fratricida. Antes y después de Guernica estará y sigue estando el sufrimiento de hombres siempre violentados, los que ahora la imaginación de Guayasamín pone en su pintura, extraídos de la misma realidad que Picasso y Guayasamín han vivido y viven. ¿Las Mujeres llorando de Guayasamín, no lloran acaso por aquellas mujeres que en vano levantaron sus manos al cielo para detener las bombas aniquiladoras del fascismo ? Hay otras muchas figuras que lo mismo recuerdan a Picasso que a Tamayo, con colores que evocan la tierra por la que luchan, por la que son ultimados. Pero hombres en los huesos, acongojados, en desesperante espera, pero también hieráticos, hieratismo propio de la raza humana.
Además de la técnica y disposición, la universalidad del Guernica es lo que cala profundamente en la pintura de Guayasamín.
GOYA Y LAS PINTURAS NEGRAS.
Viendo la obra de Guayasamín no puede uno menos que rememorar : l os desastres de la guerra y la pinturas negras de Goya. Antecedentes que hacen patentes el anacronismo de una sociedad que no ha podido rebasar la brutalidad del mundo que pintó Goya para horrorizar a sus contemporáneos ; ni el horro de la masacre nazifascista en España, repetida luego en otras regiones del mundo ; ni la violencia que todavía se hace sobre el indígena en muchas zonas de la tierra. Porque todo este anacrónico mundo vuelve a surgir en “ El camino del llanto” y en “La edad de la ira”. Una vez más la violencia, la represión, la represión, la muerte, el sadismo institucionalizado y, como respuesta, el odio, la ira que vemos emerger de los ojos de las impasibles y martirizadas figuras de la obra del pintor latinoamericano.
PAUL KLEE.(1879-1949).
Miembro del movimiento Blaue Reiter, junto a Feininger, Kandinsky y Schlemmer, compartiendo sus aspiraciones de cerrar la abierta herida que separa al hombre de su entorno, soldar de nuevo nuestra unidad escindida. Consiguió este fin por el procedimiento de impregnar por igual de energía espiritual todos los elementos de sus pinturas. Su punto de partida era esos mismos elementos : punto línea, plano, forma, color, textura. Todo quedaba sujeto a la misma pesquisa inquisidora, hasta que una vez purificado, cada elemento pudiera ser incorporado en sus diminutos cuadros. Klee hizo grandes esfuerzos por clarificar sus propias maneras y procedimientos para guiar a sus alumnos hacia una inteligencia más profunda de su obra. Klee saca a la luz el milagro de la fantasía creadora del hombre, y su fuerza de expresión penetrante y concentrada hace que esas imágenes sean inteligibles y verosímiles a pesar de su arbitrariedad.
Hacia el final de su vida sus colores se vuelven más terrosos y atenuados, sus líneas más duras y pesadas. En la sombra de la muerte, cayó también sobre su obra la sombra de una profunda gravedad.
Su máxima” El arte no imita lo visible, sino que lo hace visible” quedó ampliamente ejemplificada en su propia pintura.
EL GUERRILLERO. EL ROSTRO DEL HOMBRE. LA EDAD DE LA IRA. (1965-1967)
La obra del artista podemos dividirla en tres partes o tres grandes ciclos.
1 “Camino de lagrimas” que transcurre desde 1945 a 1952 aproximadamente y donde se tratan temas indigenistas, con indios, negros y mestizos, inspirándose en el viaje que realiza con sus amigos por Sudamérica.
2 “La edad de la ira” que aproximadamente se extenderá desde 1957 hasta 1982. Un ciclo que consta de unas nueve series que se reparten por ciclos temáticos. Una serie donde encontramos la mayor característica en el expresionismo que a veces roza la abstracción.
3 “Retrospectiva” con temas muy naturales, donde la pintura empieza a llenarse de colorido y donde vemos clara influencia de Paul Klee.
El Guerrillero. Óleo sobre tela - 135 x 95 cm. Col. fundación Guayasamín. Quito ( Ecuador) obra de 1965-1967 pertenece al segundo de sus grandes ciclos : “La edad de la ira”
LA EDAD DE LA IRA.
En 1963 comienza la realización de la serie “La edad de la ira” que será su testimonio fundamental contra la crueldad y la injusticia. Más de 5000 dibujos preparatorios forman la base de este ciclo que tendrá que comprender 250 cuadros, y que será destinado por el artista, tras exposiciones en varios países, al museo que pensaba abrir en su pueblo natal.
No es la obra artística como tal lo que interesa, sino el mensaje, como voz de un hombre. Guayasamín toma el arte y la cultura llamadas universales el instrumental para expresarse y expresar al hombre de que son parte.
Parte de lo que hace del hombre un hombre, sus anhelos, sus frustraciones, su vida, su muerte, ya que son estas limitaciones las que hacen de un hombre un hombre, y semejante también a otro hombre. Circunstancialmente distinto pero semejante en este su ser, múltiple y diverso. El arte se convierte, más allá de lo estético, más allá de su modo de expresión, en mensaje, dialogo, comunicación. Lo importante, no es la forma - decía - sino el para qué, a quien se quiere llegar, que es lo que se quiere decir o expresar. Mensaje a “Los condenados de la tierra” que es como Guayasamín llama a los hombres a quienes va dirigido el mensaje artístico. Mensaje artístico que se nutre, a su vez, de la ruidosa y sorda rebeldía, de la agonía, el martirio y la muerte de esos mismos hombres. Esto es lo que parece importar más a Guayasamín que el sentido estético de su obra.
Es un arte que quiere romper la enajenación, la presión sistemática de los otros, hablando a la soledad de los mismos. Esperando que éstos, en esa su soledad, reciban el mensaje que los identifique, también paradójicamente , con el artista, el cual como en el antiguo oráculo de Delfos, solo hará señales. Señales sin sentido, porque el sentido habrán de dárselo los receptores del mismo.
Podemos calificar la obra de Oswaldo Guayasamín de anacrónica porque el contenido de la misma se refiere a un mundo que es anacrónico,. Anacrónico es el subdesarrollo, la miseria, la represión y la muerte anónima y violenta, en un mundo que ha alcanzado las más altas cimas de en la ciencia y la técnica. Pero que un mundo que pese a estos logros, no es capaz de renunciar a la avaricia y a todas las formas en que la misma pueda no solo prevalecer, sino permanecer alimentada. Es este anacronismo el que sigue siendo denunciado en la obra del artista ecuatoriano. porque no es un mundo que se pueda eludir abstrayendo el arte de una supuesta contaminación política. Todo lo contrario, este mundo debe ser, no simplemente eludido, sino transformado, partiendo de la conciencia crítica que se tenga de su existencia. Y es en esta conciencia que se apoya la obra del artista.
Oswaldo Guayasamín concilia rebeldía abierta, externa, del que fuera expresión el muralismo mexicano con la rebeldía interna, solitaria, del expresionismo, y realismo europeo. Combina la dura protesta del hombre de América , con la conciencia el hombre que se sabe parte del instrumental de represión y explotación.
La pintura de Guayasamín enraíza en el arte universal. No niega sus antecedentes en influencias. Es un pintor realista, realista en cuanto que la realidad a que se enfrenta para salvar al hombre que la sufre es también anacrónica. Es realista porque su pintura nace de la necesidad de captar una realidad enajenante para convertirla en un instrumento de liberación.
Oswaldo Guayasamín hijo de América, hijo de esa tierra, la tierra de la que su pincel toma el color de sus figuras, conoce, el realismo de la violencia que una y otra vez han sufrido sus pueblos, de la sangre y dolor de sus hombres. Siendo niño, vio caer víctima de la violencia a otro niño. De aquí nacerá toda la protesta que expresa su pintura. Protesta por el niño, por su amigo, muerto por la represión. Protesta, después, contra la violencia que sufren todos los de su raza. Raza negra, amarilla, cobriza, aceitunada, acrisolada en la humillación. Pero también raza blanca, la que pintó Picasso en su Guernica, raza masacrada, aniquilada en los campos de concentración germanos. Guayasamín sale así de su tierra, del hermoso cielo de Quito, denunciando otras violencias, protestando por otros perseguidos : por los asesinados en los crematorios totalitarios ; en los campos secos de España “ Cada español llora un muerto de la guerra civil. Y lleva en si mismo, cada día, algo de su propia muerte”; en las arrasadas selvas vietnamitas y en las calientes tierras del África donadora de esclavos. En “La edad de la ira” se concentra la humanidad del llanto, el miedo, la miseria, la protesta y la desesperanza, a la que, a pesar de todo, no faltará la ternura, como un rayo de luz en esta oscura selva. Hombres de todas las razas unidos en un infierno que empieza en la imagen de un niño muerto por la represión y culmina en un homenaje a ”Los condenados de la tierra”.
Al lado de ellos los verdugos, los encargados de este infierno. Figuras también hieráticas. Pero con un hieratismo al que falta un toque humano que tienen los condenados. Un hieratismo fuera de todo toque humano, que hace recordar las maquinas . maquinas de dominio, de represión y violencia en todas las formas, y de muerte. Violencia de la que estos verdugos son solo instrumento. Instrumento movido por intereses que acaban por no tener rostro, como sus ejecutores. Instrumento de un sistema. El sistema como resumen descarnado, deshumanizado, de intereses.
“La edad de la ira” es el resumen del apocalíptico Juicio final de este renacimiento de nuestros pueblos, muestra el horror de nuestro tiempo. El horror expresado a nivel planetario como lo habían hecho Goya, Picasso, y el propio Orozco. En Guayasamín vemos su toque personal en los ojos, de esas serenas pero sufrientes criaturas. El rictus del dolor, la desesperación y la muerte queda contrastado por los ojos de esas dolientes figuras. En esos ojos está lo que hace de esas figuras hieráticas, figuras humanas. Ojos que miran. ojos, ya no de dolor, ni miedo, ni terror, ni de desesperanza, pese a que sus manos y cuerpos parezcan implorar una esperanza. Son ojos de ira, rebeldía, casi ajenos a los sufrimientos de sus cuerpos.
Ojos de medusa que se enfrentan a sus verdugos y los petrifica. Ojos que parecen anunciar algo, el momento y hora del hombre. De ahí el titulo de esta amplia obra : “ La edad de la ira”. La edad de la rebeldía y de la esperanza. La esperanza para los condenados de que terminará su condena, de los martirizados de que no será vano su martirio, de los muertos porque resucitarán como los adelantados de un mundo mejor. La edad de hombres que al mirar rechazan con la mirada que los convertía en cosas para humanizar así a sus mismos verdugos. Ojos más allá de todo ese martirio. Ventanas por las que este nuestro mundo salen a recuperar sus derechos y a defender lo que es esencial. La edad de la ira como antesala de la edad del hombre. Porque es el hombre el que no ha podido ser plenamente a lo largo de una historia que es su historia. En esta pintura coincide Guayasamín con las metas que se han propuesto los condenados de la tierra, guerrilleros, combatientes y revolucionarios que aparecen en su obra : los del nuevo hombre. La obra de Guayasamín es una expresión más de esta afirmación.
Ante el insistente regateo de humanidad de los conquistadores, colonizadores y neocolonizadores, la afirmación de humanidad de nuestros hombres. Es la ira que ahora se expresa en los ojos, por lo que van tomando cuerpo en los cuerpos, manos, rostro y carne sufriente del hombre como tal. La ira que pondrá fin al subdesarrollo, la miseria y todo el anacronismo en que aún seguimos viviendo.
Podemos ver en esta obra que su principal característica junto a la expresividad del artista, es la universalidad, pues aún tratando un tema concreto como es el de un Guerrillero muerto, no se representa el dolor de una persona, ni siquiera el de un pueblo, sino el horror de la injusticia, el horror de la represión, las secuelas de todo esto que podemos apreciar en rostro de este guerrillero como en la de cualquier otra persona de este tan injusto mundo que le tocó vivir al pintor y que refleja en su obra, denunciando así lo que consideraba inhumano e injusto. “ El artista no tiene modo alguno de evadirse de su época, ya que es su única oportunidad. Ningún creador es espectador, si no es parte del drama, no es creador”.
En la obra podemos ver unos rasgos muy marcados : ese ceño fruncido por el horrible dolor, esas largas pestañas que parecen pequeñas incisiones de guerra, la boca o lo que se nos representa de ella desencajada. Unos enormes trazos verticales en pequeños y grandes pinceladas que marcan aún más el dolor del guerrillero y de la raza que representa, todo acentuado por su sangriento rostro debido a las heridas de las cuatro balas que ha recibido entre la sien y la frente.
Encontramos siempre en la pintura del artista unas figuras muy expresivas y siempre únicas resaltadas normalmente sobre un fondo negro que nos enmarca y enfoca a la figura , haciendo que ésta llegue más directamente al que la contempla. Colores amarillos, oscuros, y trazos negros son los que utiliza el autor además de unos azules inmensamente cargados y algunos colores extraños como puede ser algún verde aceituna o amarillo terroso, también aparece el rojo que resalta la injusticia. Una escasa gama cromática que se verá ampliada al final de su vida, pero que el artista combina a la perfección, resaltando siempre lo que al artista interesa.
Al pintor le encantaba innovar con todo, así desde las técnicas donde combinará el óleo y acrílico sobre lienzo o madera con el polvo de mármol para dar textura a la obra consiguiendo vida espacial, hasta en sus personajes que muchas veces son asexuados.
Boom Latinoamericano
De Wikipedia, la enciclopedia libre
Saltar a navegación, búsqueda
El Boom Latinoamericano hace referencia a la literatura hispanoamericana publicada a partir del tercer cuarto del siglo XX que dio difusión en Europa a autores del sur del continente americano. Las novelas del Boom se distinguen por tener una serie de innovaciones técnicas en la narrativa latinoamericana, desarrollando el Realismo mágico y Lo real maravilloso, e introduciendo técnicas vanguardistas de narración. Escritores como Gabriel García Márquez, Mario Vargas Llosa, Guillermo Cabrera Infante, Alejo Carpentier, Julio Cortázar, José Donoso o Carlos Fuentes, son algunos representantes de esta “corriente”.
El tema cubano
Este fue el primer punto de encuentro emocional para el grupo, a partir de la primera revolución socialista que tiene lugar en latinoamérica, lo cual era una razón de respaldo del levantamiento castrista contra los desatinos de Batista. Conforme se fue sovietizando el régimen de Castro, este nexo fue de desencuentro, ya que la democracia que se esperaba que llegara, no llegó. Sin embargo, a partir de este momento no todos los escritores actuaron del mismo modo: algunos se distanciaron -Mario Vargas Llosa, Guillermo Cabrera Infante, Jorge Edwards- y otros, aún en la actualidad la siguen apoyando, como es el caso de Gabriel García Márquez y Benedetti.
[editar] Realismo mágico
Los maravillados escritos de los Cronistas de Indias y su sentido de estar en otro mundo conquistando tierras que sólo en su fantasía poblada de libros de caballerías podían hallar paralelo se convirtió de hecho en los pueblos hispanoamericanos en una señal de identidad cultural de la que derivó una nueva corriente estética como el Realismo mágico o, según concibe Alejo Carpentier, Lo real maravilloso. La narrativa describe cosas irreales como si fueran reales y cotidianas y las cosas cotidianas como si fuesen irreales; se renueva el lenguaje y las técnicas narrativas y las historias, que pueden estar basadas en sucesos de la vida real, incorporan elementos extraños, fantásticos o legendarios, pueblos mitificados, espacios y lugares fruto de la especulación y personajes que, como pueden existir, también pueden ser irreables o fruto híbrido y mestizo entre lo verdadero, lo imaginario y lo inexistente, que hace difícil separarlos.
Al comparar una novela que fue escrita antes del periodo del Boom, con otra que fue hecha durante esta transición literaria, se repara en que la historia que fue escrita antes del Boom Latinoamericano nos muestra una realidad plana y sombría, una realidad normal y verdadera, una realidad existente, mientras que la novela escrita después del Boom Latinoamericano muestra muchas facetas de un mismo lugar, de un mismo personaje o del tiempo que recrean la realidad, es decir, se rompe todas las barreras entre lo fantástico y lo habitual y convierte esta mezcla en una nueva realidad, que es perfecta para poder dejar que su inspiración fluya, circule y deje salir las mejores ideas.
[editar] Alteración cronológica
Muchas novelas que corresponden a la época del Boom latinoamericano, no tienen orden cronológico de los sucesos que ocurren en él, por ejemplo, normalmente una novela comenzaría en aquel momento en que los protagonistas se conocen, y terminaría cuando después de muchos problemas y ajetreos, se casan; en este tipo de novelas no, puede empezar cuando contrajeron matrimonio y terminar, cuando la novia, después de enterarse de la infidelidad de su prometido con su mejor amiga, intenta suicidarse y él la salva, con lo cual ella quedó nuevamente enamorada de él y acondicionan todo para el día de su matrimonio.
[editar] Origen
No se sabe con detalle cómo fue el origen de esta corriente. Muchos dicen que surge como una caricaturización de la realidad. Pero otros afirman que el escritor busca manifestar su punto de vista de la realidad. También se dice que surgió por la misma necesidad de los escritores de mostrar algo innovador, algo que rompiera con todas las facetas, algo que le dejara crear su propio estilo, algo que le permitiera liberar y dar rienda suelta a su imaginación, alguna cosa que invitara a los lectores a retomar el gusto por la literatura, ya que ellos estaban buscando algún libro con el que se sintieran apoyados y comprendidos, que mostrara a los demás que las injusticias de las cuales él se quejaba eran reales y que otra persona también se dio cuenta y lo estaba expresando en ese libro. Al hablar del Boom nos referimos a un grupo de narradores que se da a conocer con una proyección internacional a partir de la publicación de sus obras en España, en donde se instalaron, huyéndo de los regímenes autoritarios. Tan marcada dejaron su huella en la tierra que la literatura en castellano de los 60 reconocida por los autores latinoamericanos más que por el resto de autores españoles.
[editar] Consecuencias
Esta transformación contribuyó, de igual forma a desarrollar la originalidad y la creatividad de los escritores, ya que la invariabilidad de las narraciones de esa época, y las rígidas reglas que estaban establecidas, habían hecho dormir muy profundamente a la imaginación, y los hacían crear historias huecas y sin sentido. El Boom se considera un movimiento ya superado. El fenómeno del Boom explota en España ( aunque nace en latinoamerica) y arrastra consigo a nombres de escritores anteriores a esta explosión que a partir de este momento empiezan a tomar relevancia, como es el caso de Jorge Luis Borges -para muchos el nombre nuclear de la literatura latinoamericana-, Juan Rulfo, Alejo Carpentier y Miguel Ángel Asturias. Además, se establece otro momento que nace después del boom, que ha sido llamado el "posboom", en el cual resuenan los nombres de Isabel Allende, Tomás Eloy Martínez, Laura Esquivel, Luis Sepúlveda, Jaime Bayly, entre otros.
[editar] Cronología de algunas obras de autores del Boom
• 1961 El astilleroJuan Carlos Onetti (Uruguay, 1909-94)
• 1962 La ciudad y los perros Mario Vargas Llosa (Perú, 1936); La muerte de Artemio Cruz Carlos Fuentes (México, 1928); El siglo de las luces Alejo Carpentier
• 1963 Rayuela Julio Cortázar (Argentina, 1914–84)
• 1964 Tres tristes tigres Guillermo Cabrera Infante (Cuba, 1929-2005); Juntacadáveres Juan Carlos Onetti (Uruguay, 1909-94)
• 1966 El peso de la noche Jorge Edwards (Chile, 1931)
• 1967 Cien años de soledad Gabriel García Márquez (Colombia, 1928); Dona Flor e zeus dios maridos Jorge Amado (Brasil, 1912–2001); El lugar sin límites José Donoso (Chile, 1924-96)
• 1969 Coversación en la catedral Mario Vargas Llosa (Perú, 1936)
• 1970 El obsceno pajaro de la noche José Donoso (Chile, 1924-96)
• 1972 Yo, el supremo Agusto Roa Bastos (Paraguay, 1917-2005)
• 1975 El otoño del patriarca Gabriel García Márquez (Colombia, 1928)
• 1981 La guerra del fin del mundo Mario Vargas Llosa; Crónica de una muerte anunciada Gabriel García Márquez (Colombia, 1928)
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Boom_Latinoamericano"
Meneame
del.icio.us
hola como estan soy estudiante de 5to semestre de la carrera de ciencias de educacion .....bueno y pretendo especializarme en niños con necesidades especiales.